El cine, una gran escuela de fotografía

El cine, una gran escuela de fotografía

Publicado por Isra

Me encanta el cine. A la mayoría de nosotros, los amantes de la fotografía, nos apasionan las películas, discreparemos en géneros, directores, actores o argumentos pero sabemos apreciar y valorar por igual cuando detrás de una película, buena o mala, se ha realizado una gran labor de fotografía; cuando el trabajo de un director de fotografía o cinematógrafo (como suelen denominar los anglosajones a estos profesionales) nos deja asombrados y nos sirve de inspiración.

Me gustaría recordar brevemente que la maravillosa y mágica tarea de un director de fotografía, en estrecha sintonía con el director del filme, consiste, resumiendo mucho, en crear y decidir acerca de la estética visual y artística final, en crear esa atmósfera que será la que nos provoque inquietud, angustia, alegría… Los colores predominantes y su corrección (etalonaje), la iluminación (en el sentido más amplio y complejo de la palabra), los movimientos de cámara, el encuadre y la composición, entre otros, son obra del director de fotografía y su equipo, y ese es el trabajo que deseo resaltar con estas recomendaciones.

Esta no es una lista de películas sobre fotografía (como profesión, arte o motivación); tampoco son films sobre fotógrafos. Sí son, en cambio, un conjunto de obras que destacan por mostrarnos el valor indiscutible y la importancia del arte fotográfico a la hora de hacer del cine, a la hora de hacer que nos creamos las historias, admiremos los paisajes o empaticemos con los personajes. Existen un enorme número de películas que a los fotógrafos nos pueden resultar interesantes sólo por su buena fotografía, simplemente por la cantidad de ideas de composición que pueden extraerse merecen la pena; si añadimos los encuadres, los tipos de planos, la iluminación, o la aplicación de la teoría del color, los filmes se convierten en una gran escuela para nosotros.

No puedo asegurarte que estas sean las mejores películas que puedas ver, pero sí que las he disfrutado como fotógrafo y como aficionado al cine. Para mí, son buenas películas, obras casi redondas desde todos los puntos de vista pero, aunque he omitido muchas referencias de “cine de autor” y oriental, entiendo que pueda haber alguna que no te guste, si es así, puedes comentarlo más abajo. Como mencioné esta es una lista abierta, nombro cada uno de los títulos según mi memoria me los ha traído a la cabeza, los primeros títulos no tienen que ser necesariamente mejores que los últimos, tampoco creo que sean las únicas películas imprescindibles. Seguramente encontrarás omisiones, más por despiste que por otra cosa, y podría añadir muchísimas más, por eso te animo a que escribas en los comentarios tus preferencias personales y, de ese modo, podremos confeccionar un listado mucho más largo.

Ahora sentémonos en la butaca a disfrutar del espectáculo.

1. DERSU UZALA

Director: Akira Kurosawa
Fotografía: Fyodor Dobronravov, Yuriy Gantman, Asakazu Nakai

Rodada en el no habitual, pero espectacular formato de 70mm, Dersu Uzala es la historia de un hombre y su relación con la cruda naturaleza de la taiga y tundra siberianas que Kurosawa nos presenta de manera magistral. Tuve la suerte de poder ver esta película en pantalla grande, en un ciclo de homenaje al director y desde entonces está entre mis favoritas. Fotografía espectacular que disfrutarás plano a plano.
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2. UNA HISTORIA VERDADERA

Director: David Lynch
Fotografía: Freddie Francis

Si no comulgas con el onírico “universo Lynch” está película te sorprenderá desde el principio, como el título dice, encontrarás una historia real, sin los artificios o juegos mentales de otras películas del director. Es la bella narración del primer viaje emprendido por un anciano que atraviesa los Estados Unidos en su tractor para despedirse de su hermano. El vasto paisaje norte americano es el principal protagonista, en el cual nos vemos inmersos, gracias a los amplísimos encuadres y lentos movimientos de cámara.

3. 2046

Director: Wong Kar Wai
Fotografía: Christopher Doyle, Pung-Leung Kwan

El cine asiático no siempre es de fácil digestión, los ambientes densos, la abstracción o las diferencias culturales a veces constituyen una barrera difícil de superar. Aunque sólo sea por la fotografía, que refleja el ambiente futurista, denso y opresivo de Hong Kong de manera soberbia, merece la pena, pero, aunque soy un gran fan del cine asiático y poco objetivo, te aseguro que este film triste, hipnótico y cautivador te gustará.
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4. SED DE MAL

Director: Orson Wells
Fotografía: Russell Metty

Orson Wells puede considerarse como el padre del cine moderno, entre otras cosas, los tipos de plano picado y contrapicado se popularizaron gracias a él y al acertado uso que hizo de los mismos como elemento narrativo. El plano-secuencia inicial de 3.30 minutos que abre Sed de Mal es todavía un hito dentro de la historia del cine, una grandísima revolución para la época y los medios disponibles. Desde esa escena inicial, soberbia y milimétrica, la trama te mantendrá pegado al sofá y, además, podrás tomar nota de unas composiciones fotográficas de manual.
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5. RAN

Director: Akira Kurosawa
Fotografía: Asakazu Nakai, Takao Saitô, Shôji Ueda

Película épica de Kurosawa, indispensable. Podrás apreciar la fusión de planos donde se mezcla un estilo visual estrictamente formal con otros más artísticos pero igual de precisos que los primeros. Cada escena está planificada meticulosamente y, a pesar de ello, la impresión visual no es encorsetada sino que fluye ágilmente.
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6. LA DELGADA LÍNEA ROJA

Director: Terrence Malick
Fotografía: John Toll

Terrence Malick es uno de esos directores admirados por los propios directores de cine y muy poco prolífico; para mí estamos ante uno de los mejores directores de la historia cinematográfica. La fotografía en sus películas tiene algunos elementos en común, le gusta utilizar angulares para mostrar espacios abiertos, y atardeceres y amaneceres a contraluz que consiguen reflejar el estado de ánimo de los protagonistas. Esta no es una película bélica al uso, es un film donde se insiste en la contradicción de los personajes, en la filosofía de la vida y en las historias personales. El montaje original tenía una duración aproximada de seis horas que, debido a presiones comerciales, se quedaron en algo menos de tres, eso se nota en la fluidez de la línea argumental pero aun así, es una gran película.
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7. BARRY LYNDON

Director: Stanley Kubrick
Fotografía: John Alcott

La mayoría de las escenas de Barry Lyndon son pictóricas, prácticamente acuarelísticas,  y de una belleza enorme. Kubrick insistió en la necesidad de trabajar exclusivamente con luz natural y usar para los interiores los mismos útiles de alumbrado de la época, como velas o lámparas de aceite. Kubrick y John Alcott consiguieron lograr el efecto deseado. Seguramente te llamarán la atención los planos en penumbra de los cuales podrás obtener cierta inspiración para tus próximas fotografías. Nada más barato para iluminar que una vela.
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8. EL CAZADOR

Director: Michael Cimino
Fotografía: Vilmos Zsigmond

A pesar de que algunos críticos consideran a “El cazador” como una de las películas más sobrevaloradas, pienso que aquí disfrutamos de una de las mejores interpretaciones de Robert De Niro. En cuanto a la fotografía, Vilmos Zsigmond, conocido también por películas como Encuentros en la Tercera Fase, entre otras, aglutinó en esta cinta todas las tendencias cinematográficas del momento.
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9. EL PADRINO. PARTE III

Director: Francis Ford Coppola
Fotografía: Gordon Willis

Probablemente la tercera parte de El Padrino es la más floja de las tres, sin embargo, el director de fotografía, Gordon Willis, responsable de la cinematografía de toda la saga, realizó aquí el trabajo más exquisito de todos, dejando secuencias memorables para la historia del cine como la inicial o la del ataque del helicóptero que quizá recuerdes.
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10. LA LISTA DE SCHINDLER

Director: Steven Spielberg
Fotografía: Janusz Kaminski

Poco hay que decir de Spielberg, el tratamiento y la densidad del blanco y negro de esta cinta son, a buen seguro, de los mejores de la época moderna. Spielberg despliega todo su repertorio junto a uno de los habituales de su equipo, Janusz Kaminski. Puedes fijarte como usan angulares para enfatizar los personajes en primer plano y otorgarles una dimensión todavía mayor, como enmarcan los motivos principales mediante diferentes objetos, o la utilización de focales largas para crear planos opresivos y asfixiantes.
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11. EL ÚLTIMO EMPERADOR

Director: Bernardo Bertolucci
Fotografía: Vittorio Storaro

Bernardo Bertolucci es un maestro de la grandilocuencia y del gusto por el detalle, en algunas ocasiones excesivamente barroco. El Último Emperador puede disfrutarse desde todos los puntos de vista, la fotografía de Storaro, hacen que las escenas en la Ciudad Perdida sean de las más recordadas y asombrosas. La composición, luz y color de las escenas son verdaderos ejercicios de ingeniería fotográfica.
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12. DOS HOMBRES Y UN DESTINO

Director: George Roy Hill
Fotografía: Conrad L. Hall

Conrad L. Hall contribuyó de manera magistral a la cinematografía americana, Camino a la Perdición o American Beauty figuran entre sus grandes trabajos. Este western atípico es uno de los mejor fotografiados dentro de su género, los paisajes, las escenas del río fluyendo o los encuadres meticulosos te dejarán asombrado. La pareja de actores, que sólo rodaron juntos otra memorable película, El Golpe, o la recordada banda sonora hacen de este film una apuesta segura que revisitar de cuando en cuando.
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13. BLADE RUNNER

Director: Ridley Scott
Fotografía: Jordan Cronenweth

Indiscutible precursora del género de ciencia ficción moderno, su director de fotografía, Jordan Cronenweth, admitió haberse inspirado en la fotografía de Ciudadano Kane para crear el estilo oscuro de Blade Runner. Escenas de alto contraste, haces de luz dirigidos hábilmente para resaltar y centrar la atención sobre los elementos importantes, la dominante grisácea y sucia, la iluminación exclusivamente con neón de algunas escenas, el humo, o la persistencia de la lluvia hacen de esta película todo un manual de iluminación en fotografía.
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14. LAWRENCE DE ARABIA

Director: David Lean
Fotografía: Freddie Young

No recuerdo las veces que he visto Lawrence de Arabia, más de una decena seguramente. Toda una lección de cine, el rodaje estaba previsto que se localizase en el desierto jordano pero debido a diferencias políticas con las autoridades se acabó trasladando al Cabo de Gata, Almería. Freddie Young ganó un Oscar por esta película, todavía la que mejor ha fotografiado el desierto y sus características. Al igual que en la fotografía fija, el trabajar con un exceso de luz y brillo del desierto llevó a trabajar superponiendo filtros neutros y coloreados para evitar tener que cerrar demasiado el diafragma de las lentes utilizadas. Filtros que tenían que sustituir con asiduidad debido a que se deterioraban con el polvo y el calor.
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15. EL CIELO Y LA TIERRA

Director: Oliver Stone
Fotografía: Robert Richardson

Siendo Oliver Stone más reconocido por otras películas como Platoon, Nacido el 4 de Julio, JFK o Asesinos Natos, encuentro que El Cielo y La Tierra es su obra más conmovedora y personal, retratando la guerra de Vietnam desde el punto de vista de la inocente que sufre de manera brutal las consecuencias del conflicto. Robert Richardson pone en contraste la sublime belleza del paisaje vietnamita con el más profundo horror humano. Si no la conoces todavía, será un gran descubrimiento.
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16. EL AVIADOR

Director: Martin Scorsese
Fotografía: Robert Richardson

De nuevo Robert Richardson participa en uno de los grandes proyectos de Hollywood. El aviador es uno de los mejores casos de estudio de replica del “look” del celuloide clásico mediante tecnología digital. Scorsese quería conseguir una acabado igual al complejo sistema Technicolor de dos tiras para la primera parte y de tres tiras para el final.
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17. DOCTOR ZHIVAGO

Director: David Lean
Fotografía: Freddie Young

Doctor Zhivago es seguramente el título clásico donde mejor se han empleado las lentes angulares para mostrarnos asombrosos paisajes de naturaleza virgen, pero también perturbadoras escenas de la crueldad de la guerra sobre paisajes helados o la soledad de los protagonistas. Igualmente impactante es la utilización de iluminación selectiva para provocarnos inquietud y angustia.
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18. EL ASESINATO DE JESSE JAMES POR EL COBARDE ROBERT FORD

Director: Andrew Dominik
Fotografía: Roger Deakins

Rodada en 35mm esta es una de las últimas películas fotografiadas por Deakins en celuloide antes de abrazar con pasión la tecnología digital. Como en las demás películas de la lista, los encuadres y la paleta de colores son soberbios pero destaca especialmente por el uso de lentes antiguas que añadían distorsiones y aberraciones a la imagen para conseguir la apariencia de las primeras cámaras de cine.
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19. PARIS TEXAS

Director: Win Wenders
Fotografía: Robby Müller

Wim Wenders además de director de cine es un excelente fotógrafo que ha llegado a publicar y exponer sus obras en diferentes galerías de todo el mundo, sus paisajes panorámicos describen la belleza de la tierra de una manera sobrecogedora y solitaria. Paris Texas se distingue por su estética colorista y saturada, puedes ver ingeniosas escenas donde se mezclan fuentes de luz de origen diferente que crean interesantes contraste cromáticos.

20. LARGO DOMINGO DE NOVIAZGO

Director: Jean-Pierre Jeunet
Fotografía: Bruno Delbonnel

Jean-Pierre Jeunet es excesivo en todos los aspectos, un director que genera pasiones a favor y en contra y que puede resultar cargante en ocasiones. Salí llorando del cine cuando vi Largo Domingo de Noviazgo pero, reconozco, que yo debía tener un día malo. Como en todo su cine la fotografía de esta película es excepcional y muy personal. Al contrario que en la mayoría de los títulos de esta lista, Jeunet huye de las escenas donde predomina la más completa oscuridad, prácticamente todo lo que entra dentro de un fotograma está iluminado, también utiliza casi exclusivamente lentes angulares para exagerar las perspectivas y conseguir ese estilo único y reconocible. Las escenas de las trincheras puede que te recuerden a Senderos de Gloria.
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21. GRAN HOTEL BUDAPEST

Director: Wes Anderson
Fotografía: Robert D. Yeoman

El mayor desafío de Robert D. Yeoman para esta película fue tener que rodar en tres ratios o proporciones de imagen diferentes, debido a la necesidad del autor de adaptar las imágenes a la tecnología que se empleaba en la época. El uso de la iluminación artificial es exhaustivo y te llamará la atención el predominio de las composiciones “centradas” menos previsibles y más arriesgadas.
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21. CAMINO A LA PERDICIÓN

Director: Sam Mendes
Fotografía: Conrad L. Hall

Camino a la perdición supuso el segundo Oscar para Conrad L. Hall. Me gusta el estilo obsesivo, depresivo y oscuro que envuelve a los personajes y no les deja escapar. Hall es un maestro cinematográfico de la vieja escuela que lejos de utilizar el equipo más novedoso, se encarga de crear la iluminación de sus escenas con cualquier recurso, por ejemplo, usa paños de seda negra para bloquear la luz en los exteriores. Es extraordinario ver la pintura de Edward Hopper utilizada como fuente de inspiración de algunas secuencias.
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22. EL CABALLERO OSCURO

Director: Christopher Nolan
Fotografía: Wally Pfister

El mejor Batman de todos cuantos se han proyectado en las salas de cine, el más creíble y el más humano con sus fobias y debilidades. Pfister ha trabajado con Nolan en todas sus películas dotando al conjunto de ellas de una gran consistencia visual. En el caso de El Caballero Oscuro predominan los ambientes oscuros y fríos que reflejan el estado emocional del protagonista, además se quiso que las escenas en exterior fuesen lo más realistas posibles y para ello se mezclaron diferentes fuentes de luz para que el aspecto de Gotham fuese cercano. Hay ciertos trucos de cámara, como ligeros desenfoques, que se utilizan como recurso narrativo para crear en el espectador cierto aturdimiento, como en las escenas de lucha por ejemplo.
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23. PROMESAS DEL ESTE

Director: David Cronenberg
Fotografía: Peter Suschitzky

Suschintzky es uno de esos nombres imprescindibles del cine, ha participado en numerosas obras entre las que se encuentran El Imperio Contraataca (la mejor iluminada de la trilogía original), Crash o Una Historia de Violencia. La mejor cualidad de su trabajo es su extraordinario oficio, el lograr una poderosa iluminación sin que se note, quedando la fotografía al servicio de la historia. Los encuadres son descriptivos y precisos, enfatizando en cada plano aquello sobre lo que se quiere contar. La puesta en escena ambiental de la ciudad de Londres que nos muestra Suschintzky es de las más realistas de cuantas podemos encontrar en una obra cinematográfica. Esta es una violentísima y dura historia sobre tres mafiosos rusos, bellamente rodada.
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24. DESEANDO AMAR

Director: Wong Kar Wai
Fotografía: Christopher Doyle, Pung-Leung Kwan, Ping Bin Lee

El mismo equipo de fotografía que en 2046 (posterior a esta) tenía el encargo de convertir al espectador en partícipe absoluto de la escena, para ello se recurrió al uso de lentes “normales” cuya perspectiva es la natural del ojo humano y a planos donde se enmarcan, y se hurtan a veces, los acontecimientos poniendo la cámara detrás de rejillas o cortinas que hacen del espectador un voyeur de lujo. Aunque siga sin gustarte el cine asiático, la composición elegante de la mayoría de los planos merece un vistazo.

25. BARAKA

Director: Ron Fricke
Fotografía: Ron Fricke

Película documental que explora la relación entre la Tierra, la actividad humana y el progreso tecnológico, reivindicando un cambio social en favor de la naturaleza y nuestra relación con la misma. Rodada en 24 países, en formato de 70mm, este es un documental que asombrará a cualquier fotógrafo. El más hermoso homenaje a nuestro planeta y a la convivencia entre civilizaciones en un desarrollo sostenible que enfrenta los paisajes mejor rodados en un documental contra la crudeza de la huella del hombre en el planeta. Si eres “paisajista” o te gustan los “time-lapses” no deberías perderte Baraka.
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26. MY BLUEBERRY NIGHTS

Director: Wong Kar Wai
Fotografía: Darius Khondji, Pung-Leung Kwan

Prometo que esta es la última película de Wong Kar Wai que mencionaré aquí y aviso de que esta no es, ni de lejos, la mejor película del director. Sin ser mala, la fotografía destaca especialmente por encima de las interpretaciónes y el argumento. Los colores saturados característicos del cine de Wong Kar Wai aquí van un paso más allá al igual que el uso del enmarcado donde vemos a los protagonistas a través del cristal en diferentes escenas.
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27. CIUDAD DE DIOS

Directores: Fernando Meirelles, Kátia Lund (co-directora)
Fotografía: César Charlone

Cinematográficamente es una película casi perfecta, combina el estilo documental con el más académico y la elección de los encuadres se relaciona directamente con los acontecimientos que vive su protagonista, Buscapé, el cual quiere ser fotógrafo; desde los encuadres amplios que hablan sobre la libertad de su infancia hasta los más cerrados del asfixiante y violento ambiente de las favelas brasileñas. Ciudad de Dios es una demoledora crítica social, es la mejor película de Fernando Meirelles, la mejor de origen brasileño y, aunque eso no importe tanto, una de las que más poso me han dejado.
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29. O BROTHER! WHERE ART THOU?

Directores: Joel y Ethan Cohen
Fotografía: Roger Deakins

De los hermanos Cohen podría haber seleccionado prácticamente cualquiera de sus películas, he elegido O Brother! por ser la primera que rodaron en formato panorámico 2.35:1 y por la complejidad del proceso, en su momento, llevado a cabo por Roger Deakins para conseguir el aspecto final consistente en escanear todo el celuloide original y trabajar el color, que no habían podido conseguir en pruebas de laboratorio, en digital para volver a convertir el archivo a 35mm. El uso de angulares nos transporta a los paisajes de Misisipi y caricaturiza a los protagonistas por los que no podemos más que sentir cariño y simpatía.
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30. FANNY & ALEXANDER

Director: Ingmar Bergman
Fotografía: Sven Nykvist

Nykvist es uno de los directores de fotografía más estudiados y admirados, de estilo sencillo, sobrio y elegante y más intuitivo que técnico supo captar el mejor peculiar espíritu de las mejores obras de Bergman y trabajó con otros grandes como Woody Allen o Polansky. Maestro de la luz natural que buscó y moldeó en todos sus trabajos, en “Fanny & Alexander” los personajes se mueven en escenas de muy bajo contraste, bien iluminados y que hacen resaltar la fragilidad o belleza de sus rostros, aunque podría considerarse que la luz es demasiado plana te sorprenderá ver como Nykvist consigue dotar de volumen y tridimensionalidad a cada una de las escenas.
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31. GRAVITY

Director: Alfonso Cuarón
Fotografía: Emmanuel Lubezki

El mexicano Emmanuel Lubezki tiene un currículo impresionante, a pesar de tener sólo 50 años. Nominado seis veces a los Oscar por títulos como “Sleepy hollow”, “Los hijos de los hombres”, o “El árbol de la vida” no fue hasta 2014 cuando recibió su primera estatuilla por “Gravity”. Cinematógrafo muy técnico e innovador, la mayoría de sus trabajos son asombrosos; hablando de “Gravity” los 13 minutos de la secuencia inicial son de una gran complejidad donde la luz cambia constantemente, plano a plano, y que se han convertido en una verdadera enciclopedia técnica.
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32. DÍAS DEL CIELO

Director: Terrence Malick
Fotografía: Néstor Almendros

Barcelonés emigrado a Cuba durante el franquismo, Almendros estudió cine en Nueva York y Roma, siendo uno de los directores de fotografía más respetados de su época. Solicitado por grandes como Rohmer o Truffaut y nominado cuatro veces a los Oscar consiguió el premio por “Días del cielo”. Recordado por su capacidad para sacar el máximo rendimiento de los presupuestos más exiguos y por su estilo preciso a la vez que intuitivo, Almendros hizo de está película una de las más hermosamente filmadas.

33. ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA

Director: Sergio Leone
Fotografía: Tonino Delli Colli

Delli Colli trabajó con Fellini, Polanski, Pasolini, Benigni o en otras míticas películas de Sergio Leone, pero es probablemente en “Érase una vez en América” donde podremos disfrutar la cumbre de su labor como cinematógrafo. Instintivo y meticuloso, como él mismo solía afirmar, el rodaje de esta película era de una exigencia enorme, impuesta por el propio Leone, perfeccionista al máximo, que quería conseguir exactamente la apariencia que había imaginado para la película. La paleta de color de los negros y marrones lavados, sin sombras demasiado densas, son marca del tándem Leone-Delli Colli. Como curiosidad, la versión comercial que se estrenó en los Estados Unidos duraba 89 minutos, fue tan recortado el metraje original que llegaron a considerarla como una de las peores películas del año, afortunadamente podemos disfrutar en DVD del metraje original de 229 minutos.
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34. ENTRE COPAS

Director: Alexander Payne
Fotografía: Phedon Papamichael

Si has visto “En busca de la felicidad”, “El tren de las 3:10” o “Nebraska” será muy difícil que puedas reconocer un estilo común o similar en la fotografía de las mismas. Phedon Papamichael, se empeña en que su estilo no sea reconocible, varía entre cada una de sus películas aunque use la misma técnica y huye de las modas o tendencias, a pesar de eso cada una de sus películas tienen una consistencia extraordinaria de principio a fin que es capaz de mantener aunque las condiciones de cada una de las secuencias cambien por completo. La fotografía de “Entre copas” es odiada y admirada a partes iguales, a mí me interesa; los efectos de brillo y difusión están al servicio de la narración de esta historia que además nos presenta California de una manera diferente a como solemos verla en otras películas, menos contrastada y saturada de los habitual. Papamichael reconoce que una de sus primeras influencias fue Nestor Almendros, creo que en este trabajo, efectivamente, es muy reconocible.
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35. EXOTICA

Director: Atom Egoyam
Fotografía: Paul Sarossy

“Exotica” es una de esas películas que tuvo mucha repercusión en su lanzamiento, ganó el premio FIPRESCI y estuvo nominada a la Palma Oro en el festival de Cannes, pero que rápidamente cayó en el olvido. Todavía hoy sigue siendo una buena película y la fotografía de Paul Sarossy para este film puede considerarse como preciosista, barroca, onírica y densa a la vez, un acierto visual que nos crea la sensación de estar a escasos metros de los personajes, apurando lentamente un cocktail en alguno de los oscuros rincones del night club.

36. DRIVE

Director: Nicolas Winding Refn
Fotografía: Newton Thomas Sigel

Pienso que “Drive” tiene una de las mejores direcciones de fotografía de los últimos años, de estilo moderno y actualizado, todos los planos tienen un atractivo visual realmente poderoso; encuadres, composiciones, balance de color, la manera en que la luz de las calles iluminan a los protagonistas convierten a la fotografía de “Drive” en un personaje más de la historia. Sigel fue capaz de crear con un bajo presupuesto uno los trabajos cinematográficos que serán más inspiradores durante los próximos años.
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37. EL ARTISTA Y LA MODELO

Director: Fernando Trueba
Fotografía: Daniel Vilar

Seguramente podría haber incluído en esta lista alguna película española además de esta, al menos, haber mencionado alguna con la participación de Aguirresarobe, José Luis Alcaine o Teo Escamilla que lo pueden merecer tanto como Néstor Almendros, lo dejaremos para la siguiente ocasión. Daniel Vilar, curtido como operador de cámara y con sólo dos películas como director de fotografía apunta a convertirse en uno de los grandes cinematógrafos de España. En un blanco y negro exquisito, la fotografía de “El artista y la modelo” te atrapará por su calidez, belleza e inteligencia. Sobresaliente.
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38. CISNE NEGRO

Director: Darren Aronofsky
Fotografía: Matthew Libatique

La estética y la atmósfera de “Cisne negro” tiene cierta inspiración en la trilogía “Tres Colores: Azul, Blanco, Rojo” de Kieślowski, el ambiente depresivo y el uso de los claroscuros acentúan la personalidad dual y perturbadora de Nina (Natalie Portman).
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39. SHAME

Director: Steve McQueen
Fotografía: Sean Bobbitt

“Shame” es otro gran ejemplo de producción donde la fotografía parece ser un personaje más de la trama. Rodada en formato de 35mm la mayoría de las escenas diurnas tienen una paleta de color muy restringida, ligeramente desaturada que se amplía en cuanto llega la noche mostrando la lucha interior del personaje de Michael Fassbender contra su propia obsesión y destrucción personal. La mayoría de las secuencias diurnas o nocturnas se rodaron utilizando el menor número posible de elementos de iluminación adicionales a los propios de la localización para conseguir una apariencia de realidad absoluta.
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40. GRAN TORINO

Director: Clint Eastwood
Fotografía: Tom Stern

De larga y exitosa trayectoria, a Stern se le conoce fundamentalmente por ser el director de fotografía de las películas dirigidas por Clint Eastwood desde “Deuda de sangre” (2002). Ver una película de esta pareja es recordar el sabor clásico del cine americano con todas sus virtudes. La iluminación de los interiores de Stern es sencillamente prodigiosa y contundente sin llegar, en ningún momento, a parecer irreal. Incluso cuando deliberadamente se utiliza luz dirigida para ocultar algún elemento da la sensación de que la luz tiene que ser necesariamente así.
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Aquí tienes mis 40 películas recomendadas para fotógrafos, es posible que entre ellas también estén algunas de tus favoritas, otras que no conocieses o que no compartas mi entusiasmo por algunos títulos o directores. Estaré muy agradecido de recibir tu aporte personal, no dudes en escribir tus preferencias en los comentarios, gracias a ellas podremos escribir otra entrada con más títulos interesantes.

Fuente: Revela2 Estudio